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sábado, 4 de mayo de 2013
REFLEXIÓN PERSONAL
En mi opinión personal, me fue de mucha ayuda este trabajo ya que no solo pude conocer todas las vanguardias del siglo XIX y siglo XX sino que también pude aprender a apreciar las obras que fuimos analizando en cada una. Me fue de mucha ayuda el analizar tanto en clase como de tarea los movimientos, ya que de esa forma pude comprenderlos un poco mejor. Gracias a esto puedo decir que ahora se analizar de manera mas correcta y especifica las obras , ya que anteriormente no tenia tantos conocimientos a cerca de que trataba específicamente cada vanguardia.
Creo que cada autor tenia un motivo para expresarse de la manera que lo hizo, cada obra tiene un simbolismo o un porqué. Ahora en más se que cuando voy a un museo y veo la típica obra con una macha roja en un fondo negro , puedo entender que eso si es arte, y que no cualquiera lo puede hacer.
También me fue muy útil trabajar a partir de Internet , en este caso a partir del blog, ya que el mismo está a el alcance de todos los adolescentes hoy en día, y es de fácil acceso y uso.
Creo que cada autor tenia un motivo para expresarse de la manera que lo hizo, cada obra tiene un simbolismo o un porqué. Ahora en más se que cuando voy a un museo y veo la típica obra con una macha roja en un fondo negro , puedo entender que eso si es arte, y que no cualquiera lo puede hacer.
También me fue muy útil trabajar a partir de Internet , en este caso a partir del blog, ya que el mismo está a el alcance de todos los adolescentes hoy en día, y es de fácil acceso y uso.
NEOEXPRESIONISMO
¿Cuándo?
Es un movimiento pictórico postmoderno surgido a finales de los años setenta en Alemania. Este movimiento Neoexpresionista se expandió rápidamente por toda Europa teniendo su homologo en la conocida transvanguardia Italiana. Este estilo surgió como una reacción al arte conceptual que lideró las corrientes artísticas en la década del setenta. El Neoexpresionismo se caracterizó por una fuerte propuesta visual, en donde predominó, el gesto, la mancha y la utilización de figuras fácilmente reconocibles para así, diferenciarse de la pintura netamente abstracta.
En Los Estados Unidos también surgió una corriente Neoexpresionista.
Es un movimiento pictórico postmoderno surgido a finales de los años setenta en Alemania. Este movimiento Neoexpresionista se expandió rápidamente por toda Europa teniendo su homologo en la conocida transvanguardia Italiana. Este estilo surgió como una reacción al arte conceptual que lideró las corrientes artísticas en la década del setenta. El Neoexpresionismo se caracterizó por una fuerte propuesta visual, en donde predominó, el gesto, la mancha y la utilización de figuras fácilmente reconocibles para así, diferenciarse de la pintura netamente abstracta.
En Los Estados Unidos también surgió una corriente Neoexpresionista.
¿Qué?
En las obras de este movimiento se podia apreciar la representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra. Las principales temáticas eran las mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc. con predominio de la figura humana.
¿Cómo?
¿Cómo?
Este movimiento presento las siguientes caracteristicas:- Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
- Ejecución de trazos amplios.
- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).
¿Quién?
- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
- Ejecución de trazos amplios.
- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).
¿Quién?
Georg Baselitz fue un artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental.Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962.
Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas.
A fines de 1960, comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera.
Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.
La obra representativa de este movimiento es "Cena en Dresde" (1983). Zurich
En esta obra, se matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".
Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.
Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros boca abajo. El mundo al revés.
Fuentes:
http://ceciliamiretti.blogspot.com.ar/2010/05/el-neoexpresionismo_05.html
http://ppdroppo.blogspot.es/1259678494/
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8
A fines de 1960, comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera.
Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.
La obra representativa de este movimiento es "Cena en Dresde" (1983). Zurich
En esta obra, se matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resultado de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".
Podemos creer que Baselitz no ha pintado sus cuadros verdaderamente boca abajo, sino que se ha limitado a colgarlos del revés.
Tal vez en ese tipo de cosas quiera Baselitz que reflexionemos cuando cuelga sus cuadros boca abajo. El mundo al revés.
Fuentes:
http://ceciliamiretti.blogspot.com.ar/2010/05/el-neoexpresionismo_05.html
http://ppdroppo.blogspot.es/1259678494/
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8
HIPERREALISMO
¿Cuándo?
Nace en los EE.UU. en los años 60. En origen se llamaba "Realismo fotográfico" (Sharp focus realism) o Hiperrealismo (acusado realismo), denominación que acabó por imponerse.Esta tendencia, que hunde sus raíces en la cultura contemporánea, mantiene estrechos vínculos con el "pop-art" y en cierta medida recoge su herencia. Su primera manifestación pública fue la exposición "The photographic Images" organizada por la Fundación Guggenheim de Nueva York en 1966.
En América del Norte, donde el Pop Art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del Pop Art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.
¿Qué?
Nace en los EE.UU. en los años 60. En origen se llamaba "Realismo fotográfico" (Sharp focus realism) o Hiperrealismo (acusado realismo), denominación que acabó por imponerse.Esta tendencia, que hunde sus raíces en la cultura contemporánea, mantiene estrechos vínculos con el "pop-art" y en cierta medida recoge su herencia. Su primera manifestación pública fue la exposición "The photographic Images" organizada por la Fundación Guggenheim de Nueva York en 1966.
En América del Norte, donde el Pop Art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del Pop Art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.
¿Qué?
Este llamado realismo fotográfico o pintura hiperrealista se destaca por traducir literal y fotográficamente la realidad, convirtiendo en temática fundamental de su pintura y escultura la ilusión de la realidad y la realidad de la ilusión, la irrealidad.El hiperrealismo centra su atención en la temática cotidiana y urbana, reflejada de forma fiel e impersonal, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, paisajes, bodegones.Esta caracterizado por la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.
¿Cómo?
Este movimiento puede ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes; los artistas hiperrealistas tratan de buscar una transcripción de la ralidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Cosiguen con la pintura al oleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía . Se trabaja a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes.Presenta un acabado limpio y cuidado de las obras, cuyos artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color. También se caracteriza por el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista.
¿Quién?
Jorge Dáger nace en Valle de la Pascua, Edo. Guárico, el 22 de diciembre de 1967. Realiza estudios de agronomía y diseño industrial, pero pronto se orienta hacia el mundo de las artes plásticas, iniciando su formación bajo la orientación del pintor José Mohamad (1991-1998). Prosigue estudios de orfebrería, escultura y esmalte sobre metal. Ha realizado 7 individuales y participado en muchas colectivas. En el año 2002 fue distinguido con el Premio Internacional de Bellas Artes Salvador Dalí, Alliance Salvador Dalí Internacional, Praga-Madrid, 24 de mayo del 2002.Las obras de Jorge Dáger representan las bien organizadas agrupaciones de las frutas tropicales, tratadas con un gran realismo; las mismas frutas que el artista conocía y apreciaba desde su niñez, vivida en gran parte en una finca familiar guariqueña. Las robustas y apetitosas naranjas, lechosas, cocos, caimitos y semerucos, a veces vistos muy de cerca, o en un corte compositivo parcial, exaltan su aspecto, de forma desmesurada, son representados en su rica y sensual materialidad de texturas. La pintura de Dáger muestra las pieles lisas y brillantes, o al contrario, porosas y ligeramente manchadas; algunas frutas aparecen abiertas, para permitir a una mirada curiosa penetrar sus gelatinosas partes internas, generosamente bañadas por la luz del trópico. Jorge Dáger como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea, revalorizando, eso sí, la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante; no hay anacronismo en su trabajo, sino una propuesta de acabada estética donde el talento y la técnica se entrelazan para brindar al espectador, en abierta exposición, una realidad de meticuloso trazo e inaudita belleza.
¿Cómo?
Este movimiento puede ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes; los artistas hiperrealistas tratan de buscar una transcripción de la ralidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Cosiguen con la pintura al oleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía . Se trabaja a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes.Presenta un acabado limpio y cuidado de las obras, cuyos artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color. También se caracteriza por el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista.
¿Quién?
Jorge Dáger nace en Valle de la Pascua, Edo. Guárico, el 22 de diciembre de 1967. Realiza estudios de agronomía y diseño industrial, pero pronto se orienta hacia el mundo de las artes plásticas, iniciando su formación bajo la orientación del pintor José Mohamad (1991-1998). Prosigue estudios de orfebrería, escultura y esmalte sobre metal. Ha realizado 7 individuales y participado en muchas colectivas. En el año 2002 fue distinguido con el Premio Internacional de Bellas Artes Salvador Dalí, Alliance Salvador Dalí Internacional, Praga-Madrid, 24 de mayo del 2002.Las obras de Jorge Dáger representan las bien organizadas agrupaciones de las frutas tropicales, tratadas con un gran realismo; las mismas frutas que el artista conocía y apreciaba desde su niñez, vivida en gran parte en una finca familiar guariqueña. Las robustas y apetitosas naranjas, lechosas, cocos, caimitos y semerucos, a veces vistos muy de cerca, o en un corte compositivo parcial, exaltan su aspecto, de forma desmesurada, son representados en su rica y sensual materialidad de texturas. La pintura de Dáger muestra las pieles lisas y brillantes, o al contrario, porosas y ligeramente manchadas; algunas frutas aparecen abiertas, para permitir a una mirada curiosa penetrar sus gelatinosas partes internas, generosamente bañadas por la luz del trópico. Jorge Dáger como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea, revalorizando, eso sí, la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante; no hay anacronismo en su trabajo, sino una propuesta de acabada estética donde el talento y la técnica se entrelazan para brindar al espectador, en abierta exposición, una realidad de meticuloso trazo e inaudita belleza.
OP ART
¿Cuándo?
La expresión "Op Art" corresponde a la abreviación de "Optical Art", la cual es una forma artística contemporánea.El termino apareció en forma impresa por primera vez en la revista Time en Octubre de 1964.Ahí se realizaron varios artículos sobre el tema, finalmente el término fue aceptado y difundido
Nacido en Estados Unidos en abril del año 1958, en una exposición celebrada en la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y el estadounidense Kenneth Noland.
¿Qué?
Este movimiento se caracteriza por carios aspectos como la ausencia total del movimiento real,todas sus obras son físicamente estáticas lo cual lo diferencia del arte cinético y el pretender crear efectos visuales tales como movimiento de vibración, parpadeo o disfuminación. Las obras del arte óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta eraccion psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio.
El efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de las figuras que comparten sus contornos; el efecto Moare, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, como vibración y confusión.
¿Cómo?
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
¿Quíen?
Bridger Riley fue una pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1960 Riley experimentó con mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse. La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art.
La obra representativa de este movimiento es "Cataract 3" (1967), de la artista inglesa Bridget Riley (1931), es una muestra paradigmática del movimiento del Op Art, muy popular en las décadas de los sesenta y los setenta del siglo XX. En esta vistosa composición pueden verse una serie de curvas turquesa, rojas y grises. Las líneas han sido dispuestas por Riley en una secuencia ondulante a través de toda la superficie del lienzo, de tal modo que generan una falsa impresión de movimiento. La eficaz técnica demostrada por Riley y el tamaño monumental de la obra (221.9 X 222.9 cm) provocan una alucinante experiencia visual. La combinación de colores usada en la obra resulta tan vibrante que aparentan distorsionar el lienzo entero.
Fuentes:
La expresión "Op Art" corresponde a la abreviación de "Optical Art", la cual es una forma artística contemporánea.El termino apareció en forma impresa por primera vez en la revista Time en Octubre de 1964.Ahí se realizaron varios artículos sobre el tema, finalmente el término fue aceptado y difundido
Nacido en Estados Unidos en abril del año 1958, en una exposición celebrada en la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y el estadounidense Kenneth Noland.
¿Qué?
Este movimiento se caracteriza por carios aspectos como la ausencia total del movimiento real,todas sus obras son físicamente estáticas lo cual lo diferencia del arte cinético y el pretender crear efectos visuales tales como movimiento de vibración, parpadeo o disfuminación. Las obras del arte óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta eraccion psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio.
El efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de las figuras que comparten sus contornos; el efecto Moare, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, como vibración y confusión.
¿Cómo?
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
¿Quíen?
Bridger Riley fue una pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1960 Riley experimentó con mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse. La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art.
La obra representativa de este movimiento es "Cataract 3" (1967), de la artista inglesa Bridget Riley (1931), es una muestra paradigmática del movimiento del Op Art, muy popular en las décadas de los sesenta y los setenta del siglo XX. En esta vistosa composición pueden verse una serie de curvas turquesa, rojas y grises. Las líneas han sido dispuestas por Riley en una secuencia ondulante a través de toda la superficie del lienzo, de tal modo que generan una falsa impresión de movimiento. La eficaz técnica demostrada por Riley y el tamaño monumental de la obra (221.9 X 222.9 cm) provocan una alucinante experiencia visual. La combinación de colores usada en la obra resulta tan vibrante que aparentan distorsionar el lienzo entero.
POP ART
¿Cuándo?
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos., como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista.
Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.
¿Qué?
Diseñan formas amétricas- cromáticas simple, lineales o de masa en combinaciones complejas. Utilizan composiciones meticulosamente realizadas, composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación. Se puede notar la participación del espectador en muchos casos , el observador necesita moverse delante de la obre para aprecias toda la gama de efectos ópticos. Además, se utilizan los trazos definidos delineados con precisión . Los colores son planos de contornos netos y se observa el empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impactantes entre lisos y uniformes.Tiene un estilo muy critico con la sociedad de consumo y sus valores que redan al hombre. Rechazan el surrealismo o la abstracción o la abstracción como formas de expresión creativas , pues no unen al autor y al espectador.El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages,etc.
¿Cómo?
El arte pop es figurativo y realista. Crea efectos visuales mediante trazados tramados ,líneas sinuosas paralelas, constantes bi o poli cromáticos , inversiones de figura y fondo , cambios de tamaño , combinaciones de formas y figuras ambiguas. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop.
¿Quién?
Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción.
Uno de los cuadros más conocidos de ese movimiento es la reproducción de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe, coloreada sin atención al detalle y con tonos extremados, contribuyó a extender la fama de la actriz y convertirla en un icono cultural. La misma fue realizada en 1964 con la técnica de Serigrafía sobre lienzo.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos., como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista.
Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.
¿Qué?
Diseñan formas amétricas- cromáticas simple, lineales o de masa en combinaciones complejas. Utilizan composiciones meticulosamente realizadas, composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación. Se puede notar la participación del espectador en muchos casos , el observador necesita moverse delante de la obre para aprecias toda la gama de efectos ópticos. Además, se utilizan los trazos definidos delineados con precisión . Los colores son planos de contornos netos y se observa el empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impactantes entre lisos y uniformes.Tiene un estilo muy critico con la sociedad de consumo y sus valores que redan al hombre. Rechazan el surrealismo o la abstracción o la abstracción como formas de expresión creativas , pues no unen al autor y al espectador.El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages,etc.
¿Cómo?
El arte pop es figurativo y realista. Crea efectos visuales mediante trazados tramados ,líneas sinuosas paralelas, constantes bi o poli cromáticos , inversiones de figura y fondo , cambios de tamaño , combinaciones de formas y figuras ambiguas. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop.
¿Quién?
Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.
Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción.
Uno de los cuadros más conocidos de ese movimiento es la reproducción de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe, coloreada sin atención al detalle y con tonos extremados, contribuyó a extender la fama de la actriz y convertirla en un icono cultural. La misma fue realizada en 1964 con la técnica de Serigrafía sobre lienzo.
SURREALISMO
¿Cuándo?
El surrealismo surge en el año 1924 siglo XX a partir de la teoría de Sigmund Froyd, en el descubrimiento del inconsciente. fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginación y lo irreal (sueños); como los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón . Comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
¿Como?
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de cinematografía y fotografía así como la fabricación de objetos.Extendieron el principio del collage (el objeto encontrado) al ensamblaje de objetos inconcluyentes. También se destaca como técnica el fotagge inventado por Max Ernst, basado en dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. otra de las actividades creadas por el surrealismo fue la llamada Cadaver Exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándole el papel doblado.
¿Quien?
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico. Una de sus obras más célebres es "La persistencia de la memoria", el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931. El mismo fue realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. El paisaje es simple ; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad.
Fuentes:
El surrealismo surge en el año 1924 siglo XX a partir de la teoría de Sigmund Froyd, en el descubrimiento del inconsciente. fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginación y lo irreal (sueños); como los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón . Comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
¿Que?
Las temáticas que se podían apreciar eran la animación de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatómicos maquinas fantásticas perspectivas vacías evocación del caos, el sexo y lo erótico se trata de modo lubrico, autómatas libertad del espíritu Tenían Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. También se notaban formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
Las temáticas que se podían apreciar eran la animación de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatómicos maquinas fantásticas perspectivas vacías evocación del caos, el sexo y lo erótico se trata de modo lubrico, autómatas libertad del espíritu Tenían Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. También se notaban formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
¿Como?
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de cinematografía y fotografía así como la fabricación de objetos.Extendieron el principio del collage (el objeto encontrado) al ensamblaje de objetos inconcluyentes. También se destaca como técnica el fotagge inventado por Max Ernst, basado en dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. otra de las actividades creadas por el surrealismo fue la llamada Cadaver Exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándole el papel doblado.
¿Quien?
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989) fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico. Una de sus obras más célebres es "La persistencia de la memoria", el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931. El mismo fue realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. El paisaje es simple ; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad.
Fuentes:
DADAíSMO
¿Cuándo?
El dadá o dadaísmo fue un movimiento anti-arte surgido en Zurich (Suiza) en 1916,(, donde se habían refugiado numerosos intelectuales de toda Europa huyendo de la Primera Guerra Mundial.) que se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido.Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos.El movimiento dadaísta es un movimiento anti-artístico anti-literario y anti-poético porque cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía.
El dadá o dadaísmo fue un movimiento anti-arte surgido en Zurich (Suiza) en 1916,(, donde se habían refugiado numerosos intelectuales de toda Europa huyendo de la Primera Guerra Mundial.) que se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido.Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.Esta vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos.El movimiento dadaísta es un movimiento anti-artístico anti-literario y anti-poético porque cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía.
¿Qué?
Se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
Ellos inventaron nuevos medios de expresión, como el automatismo, los objetos encontrados y el montaje casual de fragmentos
Sus tesis buscaban fundir arte y vida como una misma cosa, como algo común y que se insertara en el diario vivir de las personas.
¿Cómo?
Se caracterizaba por su negación del arte, su intención rupturista e innovadora, su interés por promover escándalos normas, y su defensa de lo irracional. Propugna la libertad del individuo, la espontaneidad y la destrucción Tiene como fin el expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del movimientos. Buscaba dejar impactado al publico y causar controversias. Se utilizaron dibujos grabados en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en la calle.las técnicas utilizadas fueron lienzo al oleo, tapiz, collage, lienzo a la esencia.
¿Quién?
Raoul Hausmann (12 de julio de 1886 - 1 de febrero de 1971) fue un artista y escritor austríaco. Con el seudónimo Der Dadasophe ejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas institucionales en Alemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundiales.
Fue uno de los fundadores del club Dadá de Berlin junto a Richard Huelsenbeck, que el 22 de enero de 1918 hizo la primera proclama dadaísta en Alemania en la galería de arte IB Neumann. A los pocos días el club se formó estando integrado por Hausmann, Huelsenbeck, Grosz, Heartfield, Jung, Höch, Mehring y Baader. El grupo organiza su primer evento el 12 de abril de 1918 en el marco de una retrospectiva de pinturas de la artista Lovis Corinto dentro del Berlín Sezession, éste consistió en una velada de actuaciones de poesía y conferencias entre las que se encontraban el Manifiesto Dadá recitado por Huelsenbeck, un baile sincopado de jazz a cargo de Grosz y Hausmann gritó su manifiesto El nuevo material en la pintura entre el escándalo y las risas de los espectadores.
La obra representativa de este movimiento es " Tatlin vive en casa" pintada en 1920. De acuerdo con el título, la imagen se corresponde con el interior de la vivienda de Tatlin. Raoul Hausmann dispuso los fragmentos de imágenes de tal manera que componen un espacio cerrado con suelo de madera. De la pared izquierda cuelga un mapa. Al fondo a la derecha se adivina un caso de un buque de hélice. No resulta difícil seguir la asociación de ideas: Tatlin ha dejado su cerebro en la peana y lo ha sustituido por un ingenio mecánico. De esta modo queda ilustrada la utopía dadaísta de que el pensamiento emocional se ve sustituido por el pensamiento mecánico. Sólo así, afirmaban los dadaístas, puede crearse el nuevo arte (mecánico), reflejo de un mundo mecanizado, racional y en última instancia pacífico.
Fuentes:
http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20061008155813AAgUwu6
http://www.arteespana.com/dadaismo.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Raoul_Hausmann
http://espina-roja.blogspot.com.ar/2011/07/tatlin-vive-en-casa-fotomontaje-del.html
viernes, 3 de mayo de 2013
ABSTRACCIÓN (ARTE ABSTRACTO)
¿Cuándo?
El arte abstracto,opuesto al concepto de arte figurativo, es una corriente que elimina de las obras toda figuración relacionada con el mundo real, tuvo sus comienzos en la primera década del siglo XX. Es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
Este arte ( dio lugar a grandes polémicas y discrepancias) no imita ni representa directamente la realidad exterior y se basta en la idea de que el color y la forma tienen su propio valor artistico. Ademas utiliza formas especiales que resultan del cruce de los rayos reflejados por los diferentes objetos
¿Qué?
Los autores tienden a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.En las obras que se pintaban, se podía ver que se rechazaba lo individual y se desarollaba la autonomía del cuadro, junto con una simplicidad en las formas. Permite captar formas y colores pero no evoca asociaciones ni sentimientos , ademas pretende expresar de una manera mística estados puros de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.
Se puede notar la supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas. Se desarrollaban espacios reales, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva , etc.
El arte abstracto,opuesto al concepto de arte figurativo, es una corriente que elimina de las obras toda figuración relacionada con el mundo real, tuvo sus comienzos en la primera década del siglo XX. Es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
Este arte ( dio lugar a grandes polémicas y discrepancias) no imita ni representa directamente la realidad exterior y se basta en la idea de que el color y la forma tienen su propio valor artistico. Ademas utiliza formas especiales que resultan del cruce de los rayos reflejados por los diferentes objetos
¿Qué?
Los autores tienden a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.En las obras que se pintaban, se podía ver que se rechazaba lo individual y se desarollaba la autonomía del cuadro, junto con una simplicidad en las formas. Permite captar formas y colores pero no evoca asociaciones ni sentimientos , ademas pretende expresar de una manera mística estados puros de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.
Se puede notar la supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas. Se desarrollaban espacios reales, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva , etc.
¿Cómo?
Se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones. Las líneas y colores son utilizados para crean composiciones originales, escapando de una perfecta representación.Ese movimiento artístico se niega a imitar el mundo exterior y se basa solamente en los pensamientos del artista.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
La abstracción acentúa las formas, aislándolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural(mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.
¿Quién?
Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros.Luego, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza;adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas y poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
El cuadro representativo del movimiento que elegí es "Composición en amarillo, rojo, azul y negro" pintada en 1921.Tiende siempre a la máxima reducción de los elementos integrantes de la obra artística y convierte las líneas verticales y horizontales, así como los tres colores elementales (amarillo, azul y rojo) en la base de toda su gramática formal. Se caracteriza, en definitiva, por la elementalidad, racionalidad y funcionalidad de las formas.Concreta de manera rigurosa su poética de los valores primarios o estructurales de la visión: la línea, el plano y el color. Critica al cubismo porque es aún poco racional, dado que del análisis no pasa a la síntesis. Debido a sus intereses filosóficos y religiosos, Piet Mondrian hace una crítica del cartesianismo cubista desde el punto de vista rigorista de Spinoza ("ordine geométrico ). Piensa que nada se conoce sin la percepción, pero la esencia de las cosas no se conoce por la percepción, sino mediante una reflexión sobre la percepción: una reflexión en la que la mente actúa por sí sola, únicamente con los medios que le proporciona su propia constitución. Y debido a que la constitución de la mente es igual para todos, todo proceso de la mente tiene que partir de nociones comunes. Todas las obras realizadas entre 1920 y 1940 se parecen: son un enrejado de ordenadas que forman recuadros de distintos tamaños y colores elementales entre los que predomina el blanco (la luz); cada uno de ellos depende de una diferente situación perceptiva pero el resultado es siempre el mismo. Toda experiencia de la realidad tiene que revelar la estructura constante de la conciencia.
fuentes:
http://www.losporques.com/arte/cuando-surgio-el-arte-abstracto.htm
http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20090501063108AA1G09q
http://www.artespain.com/23-12-2009/pintura/caracteristicas-del-arte-abstracto
http://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=314
Se preocupa solamente en crear sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones. Las líneas y colores son utilizados para crean composiciones originales, escapando de una perfecta representación.Ese movimiento artístico se niega a imitar el mundo exterior y se basa solamente en los pensamientos del artista.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
La abstracción acentúa las formas, aislándolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural(mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.
¿Quién?
Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872 y su nombre verdadero era Pieter Cornelis Mondriaan. Decidió emprender la carrera artística a pesar de la oposición familiar y estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam. Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros.Luego, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza;adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas y poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
El cuadro representativo del movimiento que elegí es "Composición en amarillo, rojo, azul y negro" pintada en 1921.Tiende siempre a la máxima reducción de los elementos integrantes de la obra artística y convierte las líneas verticales y horizontales, así como los tres colores elementales (amarillo, azul y rojo) en la base de toda su gramática formal. Se caracteriza, en definitiva, por la elementalidad, racionalidad y funcionalidad de las formas.Concreta de manera rigurosa su poética de los valores primarios o estructurales de la visión: la línea, el plano y el color. Critica al cubismo porque es aún poco racional, dado que del análisis no pasa a la síntesis. Debido a sus intereses filosóficos y religiosos, Piet Mondrian hace una crítica del cartesianismo cubista desde el punto de vista rigorista de Spinoza ("ordine geométrico ). Piensa que nada se conoce sin la percepción, pero la esencia de las cosas no se conoce por la percepción, sino mediante una reflexión sobre la percepción: una reflexión en la que la mente actúa por sí sola, únicamente con los medios que le proporciona su propia constitución. Y debido a que la constitución de la mente es igual para todos, todo proceso de la mente tiene que partir de nociones comunes. Todas las obras realizadas entre 1920 y 1940 se parecen: son un enrejado de ordenadas que forman recuadros de distintos tamaños y colores elementales entre los que predomina el blanco (la luz); cada uno de ellos depende de una diferente situación perceptiva pero el resultado es siempre el mismo. Toda experiencia de la realidad tiene que revelar la estructura constante de la conciencia.
fuentes:
http://www.losporques.com/arte/cuando-surgio-el-arte-abstracto.htm
http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20090501063108AA1G09q
http://www.artespain.com/23-12-2009/pintura/caracteristicas-del-arte-abstracto
http://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=314
FUTURISMO
¿Cuándo?
El futurismo, movimiento artístico que se difundió rápidamente por Europa, nació a comienzos del siglo XX en la ciudad más industrializada de Italia: Milán. El Manifiesto del futurismo fue publicado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti en el diario parisiense Le Figaro, en 1909. En él se exaltaba el amor a la velocidad, a las máquinas, a la industrialización y a la guerra. También se establecían los principios de la nueva estética, que se desarrolló en los campos de la literatura, las artes plásticas, la arquitectura y la indumentaria, entre otros. En 1910, un grupo de artistas plásticos, entre los que se encontraban Umberto Boccioni, Gino Seveni, Carlo Carrà y Giacomo Balla publicó el Manifiesto de los pintores futuristas, que se expresaban a favor de la revolución industrial, de la violencia, del movimiento, y condenaban la visión tradicional y realista de los artistas anteriores. Así, el cuadro se transformaba en una sucesión de formas que determinaban una acción, con pinceladas fragmentadas y colores puros.
El movimiento estaba muy influido por los nuevos descubrimientos ópticos, ligados al cinematógrafo, que revelaron la multiplicación de las imágenes y de las cosas móviles en la retina.
¿Qué?
El futurismo, movimiento artístico que se difundió rápidamente por Europa, nació a comienzos del siglo XX en la ciudad más industrializada de Italia: Milán. El Manifiesto del futurismo fue publicado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti en el diario parisiense Le Figaro, en 1909. En él se exaltaba el amor a la velocidad, a las máquinas, a la industrialización y a la guerra. También se establecían los principios de la nueva estética, que se desarrolló en los campos de la literatura, las artes plásticas, la arquitectura y la indumentaria, entre otros. En 1910, un grupo de artistas plásticos, entre los que se encontraban Umberto Boccioni, Gino Seveni, Carlo Carrà y Giacomo Balla publicó el Manifiesto de los pintores futuristas, que se expresaban a favor de la revolución industrial, de la violencia, del movimiento, y condenaban la visión tradicional y realista de los artistas anteriores. Así, el cuadro se transformaba en una sucesión de formas que determinaban una acción, con pinceladas fragmentadas y colores puros.
El movimiento estaba muy influido por los nuevos descubrimientos ópticos, ligados al cinematógrafo, que revelaron la multiplicación de las imágenes y de las cosas móviles en la retina.
¿Qué?
El arte desde esta perspectiva adquiere un nuevo significado, que rechaza los esquemas conocidos y atrae a la violencia y la crueldad, a la agresión y a la injusticia, imponiéndose con ardor y entusiasmo.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
¿Cómo?
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
¿Cómo?
El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo. Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo).
Se representaba a través de la exaltación de la originalidad y se tomaba en cuenta las estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. Se utilizaban las formas y colores (resplandecientes) para generar ritmos, transparencias y la multiplicación de líneas y detalles.
Se representaba a través de la exaltación de la originalidad y se tomaba en cuenta las estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. Se utilizaban las formas y colores (resplandecientes) para generar ritmos, transparencias y la multiplicación de líneas y detalles.
¿Quien?
Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.
Aunque dicho pintor había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo.
La obra representativa de este movimiento es la “Elasticidad” (1912), es uno de los cuadros más representativos. La tecnica empleada en este caso por el autor es oleo sobre lienzo y podemos notar que La obra rechaza el hieratismo y la inmovilidad del arte delpasado, y que la modernidad que ha de reflejarse principalmente es en el tema: la velocidad, el stress, la ciudad, la máquina, el ruido..., además se puede ver el intento de captar la sensación de movimiento. Esta pintura pretende mostrar el movimiento superponiendo los distintos estados que atraviesa un objeto. El artista dispone libremente de los medios plásticos de color y de la forma y los dota de una autonomía ilimitada
Fuentes:
http://www.losporques.com/arte/donde-surgio-el-futurismo.htm
http://www.arteespana.com/futurismo.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Umberto_Boccioni
http://www.slideshare.net/silvi61/futurismo-5908767
Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista.
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.
Aunque dicho pintor había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo.
La obra representativa de este movimiento es la “Elasticidad” (1912), es uno de los cuadros más representativos. La tecnica empleada en este caso por el autor es oleo sobre lienzo y podemos notar que La obra rechaza el hieratismo y la inmovilidad del arte delpasado, y que la modernidad que ha de reflejarse principalmente es en el tema: la velocidad, el stress, la ciudad, la máquina, el ruido..., además se puede ver el intento de captar la sensación de movimiento. Esta pintura pretende mostrar el movimiento superponiendo los distintos estados que atraviesa un objeto. El artista dispone libremente de los medios plásticos de color y de la forma y los dota de una autonomía ilimitada
Fuentes:
http://www.losporques.com/arte/donde-surgio-el-futurismo.htm
http://www.arteespana.com/futurismo.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Umberto_Boccioni
http://www.slideshare.net/silvi61/futurismo-5908767
sábado, 27 de abril de 2013
CUBISMO
El cubismo es uno de los primeros movimientos plásticos del siglo XX que abrieron el camino hacia el arte abstracto. Se desarrolló fundamentalmente en el campo de la pintura y se inició en Francia entre los años 1907 y 1908, cuando los artistas Pablo Picasso y Georges Braque, influenciados por la tendencia geométrica de Paul Cézanne y la firmeza constructiva de George Seurat, comenzaron a analizar los objetos desde distintos puntos de vista y a descomponerlos en líneas y planos. Estaba rodeado por un contexto histórico muy particular ya que las potencias europeas comenzaron su expansión hacia los continentes de África y Asia. Esta proyección hacia otros continentes obedece a factores tales como políticos, económicos, estratégicos, morales, etc.
¿Qué?
El cubismo es un movimiento, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, y busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar. En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies. La expresión más frecuente dentro del cubismo presentó un enfoque analítico y abstracto de los temas; el artista determinaba y pintaba las formas geométricas básicas que revelaban las formas geométricas subyacentes. El cubismo presenta una descomposición de objetos simples en colores como grises, marrones, verdes y amarillos, con la intención de evitar cualquier eventual efecto naturalista y emocional derivado de los colores. El artista intentaba un arte meramente más conceptual que realista.
Los elementos más preferidos para ser representados eran los instrumentos musicales (en especial la guitarra), las botellas, las pipas, los vasos y los periódicos, pero nunca se excluyo la figura humana.
¿Cómo?
Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo. El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos.
¿Quién?
Pablo Picasso, nacido en Málaga, España el 25 de octubre de 1881 y fallecido en Mougins, Francia, el 8 de abril de 1973, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, ya que participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras.
La obra que elegí para representar el cubismo es el “Guernica”, y es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española.
En el cuadro podemos notar la tristeza que se representa tanto a través de las figuras como los colores. Se puede ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde,dos mujeres mas portando la luz de la verdad que ilumina los estragos producidos por la barbarie, una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpo de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena, etc.
La visita de Picasso a España justo antes de la guerra civil le supone una gran curiosidad por lo fiesta de los toros. Todos sus elementos están en el cuadro: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.
La luz de la lámpara ilumina la escena central de forma triangular y no se sabe muy bien si estamos en una escena interior o al aire libre, puesto que la definición espacial no nos da ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de Picasso, realizó 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió al objeto de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.
Fuentes:
miércoles, 24 de abril de 2013
FAUVISMO
¿Cuándo?
El
fauvismo, movimiento plástico que transformó la concepción del mundo pictórico,
surgió durante los primeros años del siglo XX(1904 y 1908). Sus iniciadores
expusieron por primera vez en el Salón de Otoño de París en 1905.Esos jóvenes
pintores tenían en común ciertas propuestas que reflejaban en sus cuadros: la
desaparición del volumen y la perspectiva, la pureza del color, la violencia de
los trazos y la libertad en la expresión. Su nombre procede del calificativo
fauve, fiera en español
¿Qué?
Este
movimiento comparte su concepción con el expresionismo. Este, a partir de las
innovaciones en el campo de la fotografía, provoca en los pintores la
investigación de nuevas frontera y comienzan el camino hacia la subjetividad.
En ellos se puede observar la exageración de la experiencia, la cual les
permite hacer más fácilmente comprensible y comunicativa a la pintura. La
temática en general que se utilizaba en este movimiento eran los paisajes, las
naturalezas muertas, los retratos , los personajes en interiores , los
desnudos; y a través de estos se mostraba la importancia de sentir la alegría
de vivir.
¿Como?
El
fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo
exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la
teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son
secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento
consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor
contraste visual y una mayor fuerza cromática.
Este no
es un movimiento teórico sino que tienden a demostrar lo que les dictaba la
sensibilidad del artista.En las obras de este movimiento se puede observar el
uso exacerbado de los colores y la pincelada furiosa. La preocupación de los
pintores esta en la expresión y no en la composición, empleando colores
brillantes y antinaturales.La paleta de colores de los foves se destaca por el
empleo de un cromatismo antinatural, buscan la fuerza expresiva del color,
colocando colores diferentes de los reales, por ejemplo pintar los árboles de
amarillo limón y los rostros en color verde esmeralda.
La
técnica fovista emplea toques rápidos, vigorosos, trazos toscos y descontinuos
sin mezclar evitando matizar los colores;las figuras resultan planas, lineales
, encerradas en gruesas líneas de contorno.
¿Quien?
Henri
Émile Benoît Matisse ,nacido el 31 de diciembre de 1869 y fallecido el 3 de
noviembre de 1954, fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su
uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero
principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los
grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los
más grandes artistas del siglo pasado. Al inicio de su carrera se le identificó
con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el
lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa
producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación
como una de las figuras centrales del arte moderno. La obra que elegí se
llama "LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD" y se pinto entre el año 1904
–1905. La misma es oleo sobre lienzo, en el que uso un técnica similar al
puntillismo. Se dice que en la obra están una mujer y su hijo, las demás
mujeres salen de la imaginación del niño. El nombre de la obra esta sacado de
un poema “una invitación al viaje”, esta obra habla de un mundo perfecto. En la
obra, Henri represento el lugar ideal para el, disfrutando de los
placeres de la vida. Pensamos que es importante porque toma la realidad como
puente para llegar a lo pictórico.
lunes, 15 de abril de 2013
EXPRESIONISMO
¿Cuándo?
El expresionismo se desarrolla principalmente en Alemania,
un país socialmente desazonado en ese entonces, en el primer tercio del siglo
XX; (desde 1905 hasta finales de la década de 1920), por lo cual sufre el
tremendo impacto de la primera guerra mundial. Recibió su nombre en 1911 con
ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los
cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de
las obras precubistas de Pablo Picasso.
¿Qué?
La pintura expresionista
era muy expresiva, emotiva, fantástica, subjetiva e irrealista. La misma no
parte del mundo exterior sino de lo que los autores mismos sentían.
Para ellos la belleza no
existe, se plasmaban imágenes deformadas que representaban la soledad de la
época. Este arte criticaba la realidad política
y social de ese entonces.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando
y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la
realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que
despierta en el observador.
¿Cómo?
La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de
los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva.
No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente. Distorsionan
las formas y recurren al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al
azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza
psicológica y expresiva.
Además, los autores utilizan las líneas buscando transmitir el ritmo de los
sentimientos. Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se
deja de lado la representación objetiva de la figura humana
¿Quién?
Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador noruego
de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia
influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. los
temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y
las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El Grito, tal
vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El
beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad
de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego
de todos los tiempos.
La pintura que elegi como representante de este
movimiento es El Grito, la cual fue realizada en 1893. Todas las versiones del
cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre
moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El
paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. es abundante en
colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona
en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura
está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de
escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con
claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.
Fuentes:
domingo, 14 de abril de 2013
NEOIMPRESIONISMO
¿Cuándo?
Se
denomina Neoimpresionismo al
movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX ,como reacción
frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento particularmente
en aquilosadas academias de bellas artes. Se
empleó por vez primera en 1887 por el crítico de arte francés Félix Fénéon para
designar la corriente artística de finales del siglo XIX liderado por Georges
Seurat y Paul Signac.
En esta nueva corriente se pueden notar dos tipos de estilos como los que
utilizaban los Divisionistas ( utilizan
una pincelada dividida en trazos muy pequeños) y el de los Puntillistas
(emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer totalmente la imagen)
¿Que?
En
este movimiento, los artistas comienzan a
desarrollar preocupación por el volumen, por la ordenación meditada del cuadro
y la claridad; por lograr, a través del puntillismo, formas bien definidas.
Se trataban temas de la vida moderna como las escenas circenses, el
ocio al aire libre, puertos, orillas de ríos,
el ballet, la opera , entre otras cosas. Se pintaban formas concebidas dentro
de una geometría de masas puras, bien definidas
¿Cómo?
Se podía notar la aplicación de colores
unos junto a otros con pinceladas muy cortas: mezcla óptica. -Yuxtaposición de
complementarios (En cada pintura, los puntos tenían un tamaño uniforme,
escogido para que armonizara con la escala de la obra) .Recobra importancia el dibujo, que se había abandonado
a favor de las manchas de color. Se geometrizan
de las formas y vuelven al
estudio, ya que sus cuadros requieren una larga elaboración.
Los neoimpresionistas no atribuyen
importancia a la forma de la pincelada, puesto que no les sirve como medio
expresivo del modelado, del sentimiento o de la imitación de la forma de un
objeto. Para ellos, la pincelada no es más que una de las innumerables partes
que, en conjunto, componen el cuadro
¿Quien?
Georges-Pierre
Seurat (París, 2 de diciembre de 1859 – 29 de marzo de 1891) fue un pintor francés y
el fundador del Neoimpresionismo. Su trabajo Tarde de domingo en la isla de la
Grande Jatte es uno
de los íconos de la pintura del siglo XIX. Siempre le interesó de gran manera el
color, lo que lo llevó a estudiar los tratados de luz y color.
Como dije anteriormente, la pintura “Tarde de domingo en la isla de la grande
Jatte”, fue pintada en 1884. Aunque por muchos años fue un sitio
industrial, en los últimos años pasó a albergar jardines públicos y un conjunto
residencial. En 1884 era un paisaje bucólico alejado del centro de la ciudad.
Seurat pasó dos años pintando el cuadro,
concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Se sentaba a
menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin
de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y
formas .Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las
distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del color, luz y
formas
Fuentes:
sábado, 13 de abril de 2013
POSTIMPRESIONISMO
Los girasoles realizados por
el pintor holandés Vincent van
Gogh, empezó a pintar a finales de
verano de 1888 y continuó durante el año siguiente
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